Creencias que me limitan como artista

La fijación de la creencia – Charles Peirce

Compáralo con un monopatín, moviéndote con tus propios medios. Requiere esfuerzo, sólo va rápido en ráfagas cortas, es imprevisible y no es muy manejable. Estás expuesto, dependes del terreno y te golpean las condiciones meteorológicas.

Llamemos al Lamborghini tu mente subconsciente y al monopatín parte de tu mente consciente. Uno es potente, está presente y te hace llegar con estilo; el otro es lento y torpe y quizá te haga llegar al final.

Las creencias autolimitantes nos impulsan. Las creencias almacenadas en nuestra mente subconsciente se crearon a menudo cuando éramos niños. La mayoría las tomamos de nuestros padres y otros adultos que tuvieron influencia en nuestras vidas. Una vez formadas, estas creencias se almacenan, rara vez se cuestionan y casi se olvidan, pero proporcionan la brújula por la que vivimos como adultos. Cada vez que algo en nuestra vida coincide con la creencia subconsciente que tenemos, esa creencia se confirma aún más.

El problema de guiarse por estas creencias incuestionables es que, aunque pueden haber servido para algo cuando se crearon e incluso pueden habernos mantenido a salvo cuando éramos más jóvenes, muchas de ellas son obsoletas y están demasiado simplificadas. Algunas son francamente erróneas. No son el tipo de creencias que necesitamos como fuerza motriz en nuestra vida adulta.

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La interpretación en el arte se refiere a la atribución de significado a una obra. Un punto en el que la gente suele discrepar es si la intención del artista o del autor es relevante para la interpretación de la obra. En la filosofía analítica angloamericana del arte, las opiniones sobre la interpretación se dividen en dos grandes campos: el intencionalismo y el anti-intencionalismo, con un enfoque inicial en un arte, la literatura.

El antiintencionalista sostiene que el significado de una obra está totalmente determinado por las convenciones lingüísticas y literarias, rechazando así la relevancia de la intención del autor. El supuesto subyacente de esta postura es que una obra goza de autonomía con respecto al significado y a otras propiedades estéticamente relevantes. Los factores extratextuales, como la intención del autor, no son necesarios ni suficientes para determinar el significado. Esta primera posición de la tradición analítica se denomina a menudo convencionalismo por su fuerte énfasis en la convención. El anti-intencionalismo fue cayendo en desgracia a finales del siglo XX, pero ha resurgido con la llamada teoría del valor máximo, que recomienda que el intérprete busque interpretaciones de valor máximo limitadas por la convención y, según otra versión de la teoría, por los factores contextuales relevantes en el momento de la producción de la obra.

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Olivier Leonardi, experto director artístico de Ubisoft Reflections, añadió que casi todo en el desarrollo de juegos empieza con el arte conceptual, lo que lo convierte en un área de especialización ideal para los jóvenes artistas. Pero el arte conceptual también está muy idealizado por la gente de fuera, que no se da cuenta de lo que realmente supone.

“Una idea errónea es que el arte conceptual consiste en hacer dibujos o ilustraciones bonitos y atractivos, pero no es así”, dice Pierre Armal, artista conceptual de Shiro Games. “Se trata de ideas y de resolver problemas para los artistas 3D y los diseñadores de juegos. El dibujo es sólo una herramienta que se utiliza para ese fin”.

Y no es la única idea errónea sobre este campo, añade Cécile Jaubert, también artista conceptual y de VFX en Shiro Games. Por ejemplo, a pesar de las creencias comunes, no es necesario ser un ilustrador impecable para ser un buen artista conceptual.

“El 80% del trabajo consiste en diseñar ‘cosas pequeñas'”, dice. “Sólo hay un número determinado de personajes importantes en un juego, pero vaya si hay un montón de sillas y habitaciones y VFX a veces. Pasarás mucho tiempo trabajando en cosas que pueden parecer insignificantes, pero tu trabajo sigue siendo importante para tus compañeros”.

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Carnegie Endowment for International PeaceSadaShowResultsLas mujeres y el arte: Creación de espacios de identidad y libertadAunque el tema de la mujer ocupa un lugar destacado en las obras de las artistas árabes, la libertad de la que gozan las mujeres artistas se ve limitada por la censura, ya sea autoimpuesta o institucional.Las sociedades de Oriente Medio y el Norte de África, con sus estructuras sociales, económicas y políticas, han moldeado e inspirado el arte de las artistas árabes. Estas artistas han afirmado que su lugar en el mundo informa su identidad y percepción de lo que ocurre en su entorno inmediato y en el mundo, por lo que estos temas dominan la mayoría de sus obras y pinturas.

Sada realizó 14 entrevistas a mujeres artistas de ocho países árabes, en las que respondieron a cuatro preguntas principales relacionadas con lo que inspira sus obras de arte, sus motivaciones para expresar una idea o un sentimiento, el nivel de libertad que tienen para expresar ciertos temas y acontecimientos, y los temas que influyen en su talento artístico.